TEMAS DE LA FORMACIÓN DE PROFESORES DE ARTE EN EL CONTEXTO DE LAS INNOVACIONES EDUCATIVAS
ISSUES OF TRAINING ART TEACHERS IN THE CONTEXT OF EDUCATIONAL INNOVATIONS
1 Universidade Pedagógica Nacional Dragomanov (NPU), Kyiv – Ucrânia. Professora da Faculdade de Arte. Doutora em Ciências Pedagógicas. ORCID: https://orcid.org/0000-0001-5110-9637. E-mail: ua.education.com.ua@gmail.com
2 Universidade Pedagógica Nacional Dragomanov (NPU), Kyiv – Ucrânia. Candidata em Ciências Pedagógicas. PhD in Pedagogy. ORCID: https://orcid.org/0000-0002-6900-3336. E-mail: liudmylapankivv@gmail.com
3 Universidade Pedagógica Nacional Dragomanov (NPU), Kyiv – Ucrânia. Pós-graduação da Faculdade de Arte. ORCID: https://orcid.org/0000-0003-4719-6541. E-mail: wangxiaaa1@gmail.com
4 Universidade Pedagógica Nacional Dragomanov (NPU), Kyiv – Ucrânia. Pós-graduação da Faculdade de Arte. ORCID: https://orcid.org/0000-0001-7249-4378. E-mail: wuqiiruii@gmail.com
5 Universidade Pedagógica Nacional Dragomanov (NPU), Kyiv – Ucrânia. Pós-graduação da Faculdade de Arte. ORCID: https://orcid.org/0000-0003-0030-0647. E-mail: zhangshengwennn@gmail.com
6 Universidade Pedagógica Nacional Dragomanov (NPU), Kyiv – Ucrânia. Pós-graduação da Faculdade de Arte. ORCID: https://orcid.org/0000-0002-9236-8341. E-mail: hutingtingg1234@gmail.com
RESUMEN: El propósito del trabajo es determinar las dualidades personales de un profesor de música que contribuyan a la efectividad de sus actividades artísticas y educativas en condiciones modernas, el desarrollo teórico de la esencia, contenido y estructura componente de las categorías “empatía artística”, “cultura de estilo de la interpretación de obras musicales”, “autoeficacia artística y escénica del individuo”. Utilizando los métodos de cuestionamiento, prueba, observación pedagógica y análisis de lecciones en el sistema de facultades de artes de las universidades pedagógicas de Ucrania y el procesamiento estadístico de los materiales obtenidos, se caracteriza el estado de la práctica moderna de la formación profesional de los futuros músicos. Como resultado del estudio, se argumenta que estas cualidades se encuentran entre las cualidades profesionales y personales dominantes de un profesor de música moderno. El artículo confirma las perspectivas de formación de estas cualidades profesionales y personales precisamente en el proceso de formación musical especial de los estudiantes.
PALABRAS CLAVE: Docente. Educación. Empatía artística. Cultura de estilo. Autoeficacia escénica.
ABSTRACT: The purpose of the work is to determine the personal qualities of a music teacher that contribute to the effectiveness of his artistic and educational activities in modern conditions, the theoretical development of the essence, content, and component structure of the categories “artistic empathy”, “style culture of performing musical works”, “artistic and performing self-efficacy of the individual”. Using the methods of questioning, testing, pedagogical observation, and analysis of lessons in the system of arts faculties of pedagogical universities of Ukraine and statistical processing of the materials obtained, the state of modern practice of professional training of future musicians is characterized. As a result of the study, it is argued that these qualities are among the dominant professional and personal qualities of a modern music teacher. The article confirms the prospects for forming these professional and personal qualities precisely in the process of special musical training of students.
KEYWORDS: Teacher. Education. Artistic empathy. Style culture. Performing self-efficacy.
As novas exigências para o nível de formação profissional de um professor de música devem-se ao crescente papel humanístico que ele é chamado a desempenhar nas condições modernas de erosão das diretrizes de valor estético da juventude estudantil. Uma das desvantagens da formação de pessoal pedagógico musical no ensino superior moderno é o isolamento da formação musical especial dos futuros professores de música das necessidades das suas futuras atividades profissionais práticas, não sendo dada atenção suficiente à formação daquelas qualidades profissionais que permitiriam para tirar o máximo proveito de seus recursos pessoais na música moderna e na prática educacional.
A necessidade de adequações ao sistema educacional permitiu levantar a seguinte hipótese: entre as qualidades profissionais e pessoais mais significativas de um professor de
música moderno, necessárias para alcançar a eficácia das atividades musicais e pedagógicas em uma escola moderna, deve atribuir aquelas como empatia artística; autoeficácia artística e performática; cultura de estilo de execução de obras musicais.
De um modo geral, a análise da literatura científica e metodológica indica que nos problemas da formação profissional de um professor de arte musical as questões da formação da sua empatia artística, da cultura estilística da execução musical e da autoeficácia performática estão praticamente ausentes. Isso se deve ao predomínio do paradigma do “conhecimento” no ensino musical dos alunos, com uma subestimação do potencial de desenvolvimento da arte, com o aparato conceitual e categórico subdesenvolvido de orientações pessoais para a formação profissional dos futuros professores de arte musical.
Ao mesmo tempo, revelou-se que os problemas do ensino das disciplinas musicais no sistema de ensino superior de música são considerados de forma bastante ampla. As tecnologias de desenvolvimento musical e criativo de futuros professores de música têm sido investigadas (WANG, 2016; STRATAN-ARTYSHKOVA, 2014; GUSACHENKO, 2018), várias variantes
de diagnósticos de competência profissional, prontidão de professores para ensinar música na escola são propostas (PUHALSKY , 2018; STRATAN-ARTYSHKOVA, 2014; HUANG
HANJIE, 2017) tendências modernas no desenvolvimento da formação vocal, instrumental, maestro-coral analisadas (DUBOVY, 2019; HUANG CHANGHAO, 2017; SUN, 2017). São de particular interesse os estudos na área de métodos de arteterapia, bem como a formação de futuros professores para a utilização de métodos de arteterapia no ensino de música (MALASHEVSKA, 2017; STROHAL, 2017); problemas de introdução da orientação poliartística da educação musical (SHPITSA, 2016). Questões teóricas gerais, como potencial pedagógico do ambiente educacional (TSYUMAN, 2018), aspectos axiológicos da educação (DENSIDADE, 2004), estruturação de conceitos (ZHUITIN, 2018; KHOMICH, 2016; DIKUN, 2017; LIANG, 2017) também se refletem na literatura científica e metodológica moderna. Porém, ao considerar os resultados desses estudos, constatou-se que, na estruturação das categorias, nem sempre os parâmetros necessários da atividade humana são considerados. Assim, considerando os componentes da prontidão dos futuros professores das disciplinas de arte para trabalhar com coral, o autor negligencia o componente motivacional do conceito de “prontidão” (KHOMICH, 2016).
Ao resolver questões especiais da educação musical, os cientistas contam amplamente com abordagens praxiológicas (PROVOROVA, 2015), axiológicas (DENSIDADE, 2004; GAO RUOJUN, 2018; GUSACHENKO, 2018), comunicativas (ZAITSEVA, 2017a; 2017b)
como base para a resolução de problemas da educação musical. Ao mesmo tempo, uma
abordagem culturológica, na qual a figura principal da educação é um indivíduo criativo, propenso à autodeterminação, bem como um paradigma funcionalista, que pressupõe a orientação prática da formação do aluno no sistema de ensino superior, não o é considerada.
A escassez de pesquisas no campo da modernização da música e da educação pedagógica determinou o propósito do artigo - considerar aquelas qualidades profissionais e pessoais de um professor de música que contribuem para o alcance do sucesso de suas atividades educacionais nas condições modernas, propor um desenvolvimento original dos conceitos de “empatia artística”, “autoeficácia do desempenho”, “estilo cultura desempenho da música” em relação às atividades do professor de música, para determinar a sua essência, conteúdo e estrutura, para fundamentar funções pedagógicas.
Identificar tendências inovadoras no sistema de ensino superior, desenvolver os conceitos de “empatia artística de um professor”, “autoeficiência performática de professor”, “cultura de estilo de execução musical por professor” e sua estruturação no processo de pesquisa científica, foram utilizados os métodos da pesquisa teórica - análise teórica, sistematização.
Métodos de previsão e modelagem científica também foram usados para determinar tendências progressivas inovadoras na formação de professores de música no sistema de ensino superior. A modelagem é vista como uma representação mental de um sistema real, que consequentemente reflete as características mais significativas do original, tornando-se uma fonte de novas informações de pesquisa. Ao mesmo tempo, a função preditiva de modelação, na qual assenta a nossa investigação, permite antever o desenvolvimento prospectivo das qualidades profissionais e pessoais reveladas de um professor como de extrema importância para a atividade musical e pedagógica.
A estruturação das categorias identificadas é de grande importância no estudo - “empatia artística de um professor de música”, “cultura de estilo de execução de obras musicais de um professor”, “autoeficácia artística e performática de um professor”, o que torna é possível apresentar cada um deles na forma de integridade, combinando características individuais específicas do fenômeno estudado.
A caracterização do estado da prática moderna de formação profissional dos futuros professores foi realizada com base na aplicação de métodos de questionários, testes a alunos de pós-graduação, observação pedagógica, análise de documentação pedagógica, tratamento estatístico de materiais. Um total de 280 estudantes de pós-graduação de sete universidades
ucranianas em diferentes regiões foram entrevistados. O processamento estatístico dos materiais obtidos permitiu estabelecer com suficiente probabilidade que as qualidades estudadas se formaram em um nível alto em 9,5%, em nível médio em 17,3% e em baixo em 73,2%.
A modernização da formação de professores de música no sistema de ensino superior pressupõe uma ênfase na formação de suas qualidades profissionais e pessoais. Ao mesmo tempo, devemos notar que tradicionalmente a formação profissional dos professores de música é considerada principalmente musical e performática. Acredita-se que o desenvolvimento das competências e habilidades de execução musical (cantar, reger, tocar instrumentos musicais etc.) é a parte mais essencial do desenvolvimento profissional de um professor-músico. Parte- se do pressuposto de que a componente pedagógica, dominando a metodologia de ensino das disciplinas musicais, desempenha um papel secundário e auxiliar no ensino dos futuros professores de música. Uma pesquisa com professores de disciplinas musicais, como “Produção Vocal”, “A Ferramenta Principal” das universidades pedagógicas, mostra que a maioria deles acredita que o domínio das artes cênicas é um fator suficiente para o sucesso do trabalho pedagógico dos alunos no futuro. Aos questionamentos: “Você está atento às questões metodológicas da produção vocal, obtenção da expressividade artística na execução de obras para piano?”, “Você considera necessário desenvolver as qualidades pedagógicas dos alunos no processo de ensino de disciplinas musicais?” foram recebidas as seguintes respostas: “O principal é ensinar o aluno a tocar música de forma expressiva e com competência técnica”, “A capacidade pedagógica virá por si no processo de trabalho prático com os alunos”, “A formação de competências pedagógicas é uma questão de preocupação para os professores de pedagogia” etc. Ao mesmo tempo, esquece-se o fato de que os graduados das faculdades de artes das universidades pedagógicas dificilmente serão capazes de realizar-se no trabalho prático como músicos-intérpretes. O desrespeito pela preparação para o ensino coloca os graduados em uma posição falsa. Como músicos-intérpretes, por razões objetivas e subjetivas, não conseguem se expressar e, como professores, não estão sintonizados e preparados.
Ao contrário das abordagens tradicionais, propõe-se concentrar os esforços em tais traços de personalidade que combinariam tanto o profissional pedagógico com o profissional artístico. Estes incluem, por exemplo, a empatia artística do professor de música, a cultura do
estilo de execução de música do professor, a autoeficácia artística e performática do professor de música. Vamos considerá-los sequencialmente.
A empatia artística é considerada como a capacidade de perceber e avaliar adequadamente o conteúdo figurativo de uma obra de arte do ponto de vista da penetração subjetiva no subtexto emocional e semântico das experiências, reflexões, atitudes em relação aos fenômenos exibidos corporificados pelo autor. A empatia artística de um professor de música é mediada, ainda, pelas especificidades de sua atividade profissional, que envolve a comunicação do professor não só com a arte, mas também com os alunos. Além disso, sua própria atitude em relação à música também é predeterminada por tarefas pedagógicas - transmitir o significado artístico da obra aos alunos, cativá-los com a beleza das imagens artísticas, expandir o estoque de impressões artísticas etc. Assim, a empatia artística de um professor de música é interpretada em nosso estudo como uma educação pessoal integrativa que pressupõe a capacidade de empatia, subjetivação tanto da experiência estética do autor quanto das orientações de valor da percepção artística dos alunos. O funcionamento da empatia artística, constituindo a dominante comunicativa da atividade profissional do professor de música, determina o seu sucesso, eficácia e eficiência.
Estabeleceu-se que a estrutura da empatia artística está entre as principais e inclui componentes de incentivo motivacional, avaliação cognitiva e criativo-apresentacional.
O componente motivacional e de incentivo da empatia artística pressupõe que o professor tenha um desejo estável de mergulhar profundamente na essência emocional- figurativa da obra, o interesse pela intenção do autor, as intenções criativas do compositor. Não uma contemplação superficial, mas uma atitude verdadeiramente atenciosa com o conteúdo da música, sua expressividade emocional determina a direção da atitude do professor para o domínio da arte musical.
A empatia artística não se manifesta com uma percepção neutra de uma obra musical. O interesse em vivenciar as implicações emocionais das imagens artísticas, em identificar sua plenitude emocional e semântica, está no cerne da capacidade do professor de compreender e vivenciar adequadamente a essência figurativa da criatividade artística. O professor-músico também se caracteriza por um interesse por artes afins - pintura, teatro, poesia. A falta de tal interesse indica a falta de formação de empatia artística.
O exposto determina a tarefa pedagógica - para encorajar ao máximo o desenvolvimento do interesse dos alunos em aprender a criatividade artística, para ativar suas aspirações motivacionais para a comunicação mais ampla possível com a arte como um reflexo do mundo interior de uma pessoa.
O componente de avaliação cognitiva da empatia artística de um professor de arte musical indica o estoque existente de impressões artísticas, o professor tem certa experiência de comunicação com a arte. Parece importante para o professor ter um conhecimento amplo das obras artísticas, do material musical atual, bem como conhecimentos sobre arte, sobre a obra dos compositores. Para um professor de música, é extremamente importante ter um amplo conhecimento dos estilos musicais, tendências artísticas, a capacidade de compreender as características do gênero musical.
O componente de avaliação cognitiva da empatia artística de um professor de arte musical pressupõe sua capacidade tanto para avaliar objetivamente o conteúdo artístico de uma obra, meios de expressão, para compreender analiticamente o contexto figurativo e artístico de uma obra, quanto para um contexto emocional direto - reação sensorial a uma obra. O imediatismo da reação emocional e artística deve ser apoiado por abordagens racionais na avaliação dos méritos artísticos de uma obra. A empatia artística contribui tanto para a preservação de uma resposta emocional vívida a uma obra de arte quanto para a capacidade de racionalizar os sentimentos que surgem no processo de percepção de imagens de arte.
A empatia artística pressupõe principalmente o brilho da resposta emocional, a força da resposta emocional e uma orientação para o imediatismo da impressão. Ao mesmo tempo, a profundidade crítica na trama da obra, o desejo de compreender as origens de uma ou outra reação, de compreender intelectualmente os traços formativos característicos da obra, não só não atrapalham, mas até intensificam a experiência, realçam a impressão artística e emocional. A confiança na compreensão analítica do valor estético da arte estimula a experiência emocional, aumenta os resultados do aprofundamento artístico e emocional na fusão de imagens artísticas. A confiança na compreensão analítica, a capacidade de compreender intelectualmente o valor estético da arte estimula uma “entrada” emocional no mundo da beleza, ativa a empatia emocional.
O componente de apresentação e criativo da empatia artística significa a capacidade de uma pessoa demonstrar empatia intensa e vívida pelos estados de espírito e emoções que constituem o conteúdo de uma criação artística; uma consciência ativa de seus elementos formadores, que já no estágio de percepção se eleva ao nível de cumplicidade imaginária com o autor, e também certamente pressupõe uma tendência a expressar sua própria atitude para com a arte, um desejo de compartilhar suas impressões com outros.
Assim, por um lado, a empatia artística contém uma proporção significativa da consciência dos impulsos criativos do artista, por assim dizer, penetração no laboratório criativo do autor como cumplicidade, identificação subconsciente, consciência das necessidades
criativas do autor e seus estimulantes. Por outro lado, a empatia artística pressupõe a presença do desejo, muitas vezes também inconsciente, de expressar os próprios pensamentos, os próprios sentimentos e a natureza da experiência de uma obra de arte. Um diálogo criativo, imaginário, quase sempre subconsciente, feito em um nível intuitivo com o autor ou executor de uma obra de arte desenvolve-se no desejo de compartilhar suas próprias impressões, humores, sensações da essência artística da obra de arte.
Em geral, a estrutura da empatia artística do professor inclui componentes que indicam a presença de um interesse estável, o desejo do professor de dominar a essência profunda do conteúdo da imagem musical, de compreender sua implicação emocional, o desejo de estabelecer contato emocional e artístico com os alunos. A empatia artística também pressupõe a presença de experiência artística, um certo estoque de impressões artísticas, a capacidade de compreender tendências artísticas, estilos e características de gênero. A atitude artística e empática em relação à música e ao seu ensino também se expressa na capacidade do professor de vivenciar criativamente um texto literário ao nível da cumplicidade imaginária com o autor, na capacidade de entrar em diálogo criativo com ele e também de partilhar as suas impressões. com os alunos.
Esses componentes estão inextricavelmente ligados, abraçando holisticamente o conceito de empatia artística de um professor de música. Assim, por exemplo, a intensidade da reação sensorial de uma pessoa aos méritos estéticos de uma obra depende da formação do componente motivacional da empatia artística. A confiabilidade da avaliação racional-analítica da qualidade artística de uma obra evoca o desejo de sua re-percepção. O diálogo criativo com o autor amplia a intensidade da empatia pelas imagens artísticas.
Uma das tarefas mais essenciais do professor de música da escola é incutir nos alunos gostos artísticos elevados, para desenvolver a sua capacidade de perceber a arte em plenitude, compreender e vivenciar imagens artísticas. A cultura de estilo do professor desempenha um papel essencial nisso. Por cultura de estilo de execução de obras musicais, entendemos uma qualidade pessoal integrada que expressa a capacidade de reproduzir o sistema de pensamento figurativo e musical-formativo do compositor em unidade com a expressão da própria atitude de um indivíduo em relação ao conteúdo da música em o processo de interpretação de imagens artísticas. O conteúdo da cultura performática do professor-músico é complementado pela prontidão em transmitir o conteúdo das imagens artísticas na íntegra do estilo do compositor a jovens ouvintes, para cativá-los com a música. Em geral, a cultura de estilo de execução de obras musicais é o indicador mais importante do profissionalismo do professor.
A estrutura da cultura de estilo de um professor de música inclui componentes de incentivo motivacional, cognitivo, avaliativo-emocional, criativo-iniciativa e comunicativo- pedagógico que, na interação sistêmica, expressam o desejo do professor por um conhecimento profundo do estilo do compositor e das especificidades da percepção do estilo de música pelos alunos.
O componente motivacional e de incentivo da cultura de estilo de execução de obras musicais implica que o professor tem um desejo de um conhecimento profundo do estilo do autor, um desejo de penetrar na esfera de seu pensamento figurativo e as peculiaridades da criação da forma para um estilo e expressivo - execução adequada de suas obras.
O papel da motivação como ativador da atividade foi comprovado de forma convincente por pesquisas psicológicas. S. D. Smirnov, compreendendo a unidade sistêmica dos fatores estimuladores por motivação (SMIRNOV, 2001), enfatiza que a motivação desenvolvida é um dos determinantes mais importantes do comportamento humano. Partindo dessa ideia, notamos que o componente motivacional e de incentivo da cultura de estilo de atuação do professor- músico também prevê a formação da atitude, a necessidade desenvolvida de tocar música diante dos jovens ouvintes, o desejo, por meio de suas próprias habilidades, para formar diretrizes elevadas para a percepção e avaliação da arte nas diretrizes de estilo dos alunos. Assim, o motivo para alcançar um estilo de execução adequado é uma característica profissional importante do professor, determina o sucesso da sua formação musical e performática e do seu desenvolvimento profissional e pedagógico.
A componente cognitiva orienta o professor-intérprete para enriquecer o conhecimento sobre as várias esferas estilísticas da cultura musical e o domínio prático da música numa base estilística. O professor precisa compreender e sentir profundamente a originalidade do estilo do autor, a base nacional, o condicionamento histórico, a especificidade de gênero do pensamento de seu estilo. O sistema de seu conhecimento musical-teórico e musical inclui uma ampla gama de informações sobre as realizações criativas de todos os tipos de escolas de composição e direções artísticas, meios de expressão musical. Stratan-Artyshkova T.B. em sua monografia enfatiza que as ideias holísticas sobre as bases estilísticas da arte musical, devido às peculiaridades da época histórica, adquirem um significado especial na preparação de um músico (STRATAN-ARTYSHKOVA, 2014). Sun (2017) foca na necessidade de se conseguir uma síntese dos conceitos teóricos sobre o estilo musical e sua reflexão prática no processo performático. Como nossa pesquisa mostrou, o componente cognitivo da cultura do estilo de execução musical por um professor também deve ser complementado com conhecimentos psicológicos sobre as especificidades da percepção da música por diferentes grupos de idade
dos alunos, bem como erudição metodológica no domínio da interpretação artística e pedagógica da música.
O componente avaliativo-emocional atesta a capacidade do intérprete de avaliar objetivamente o conteúdo das imagens musicais criadas pelo compositor com base em sua experiência subjetiva profunda. Concentrando-se na decodificação da intenção do autor, o intérprete ao mesmo tempo deve revelar na interpretação sua própria compreensão, sua própria avaliação, não uma atitude indiferente, mas uma atitude emocionalmente inspirada em relação à música. Caso contrário, sua performance corre o risco de se tornar um processo formal, seco e desfigurado para refletir as intenções artísticas de outras pessoas.
Expressar uma atitude emocional vívida em relação à música que está sendo executada é especialmente importante para um professor intérprete. O reflexo neutro e indiferente das imagens musicais é inaceitável em qualquer lugar, já que a música é uma arte que, mais do que outros tipos de arte, tem a capacidade de transmitir emoções humanas. No processo de trabalho com o público estudantil, a importância da emocionalidade do desempenho aumenta significativamente. Cientistas-educadores enfatizam que alunos na faixa etária de 7 a 16 anos são caracterizados por um aumento da atividade emocional, às vezes até a tensão emocional é inerente a eles, uma vivência de maior intensidade em comparação aos adultos. A facilidade de surgimento de emoções e a tendência de mudar o humor não deixa de influenciar a natureza da percepção musical dos alunos. Um professor que executa música não pode deixar de prestar atenção a essas circunstâncias, sua atitude emocional e avaliativa em relação à música é o fator de atração da arte, aquele regulador que permite ao professor cativar as crianças com sua própria execução das nuances do estilo musical.
O componente de iniciativa criativa da cultura de estilo de performance significa a capacidade do professor de identificar uma abordagem criativa para a interpretação de imagens artísticas, enquanto o professor-intérprete se esforça para a transferência mais completa do conteúdo do autor. O intérprete de obras musicais sempre enfrenta problemas estilísticos de interpretação porque a correlação entre as especificidades estilísticas de uma obra e sua interpretação não pode ser resolvida apenas no nível estético geral. É necessário considerar as leis psicológicas, padrões de percepção da música pelos ouvintes, levar em consideração seu potencial artístico, fatores de domínio pessoal das imagens musicais pelo intérprete. Ao mesmo tempo, G.G. Neuhaus, um excelente intérprete e professor, enfatizou com sucesso o paradoxo das artes cênicas, convidando os alunos a usar a frase: “Eu toco Chopin”, enfatizando a primeira ou a terceira palavra.
Ao mesmo tempo, deve-se atentar para a complexidade da leitura interpretativa de uma obra de arte. A interação do intérprete com o compositor contém muitos matizes que não podem ser colocados em um esquema simples: “Tanto a compreensão do estilo quanto o reflexo da própria atitude emocional em relação à obra do autor”. A abordagem criativa do intérprete contém muitas nuances psicológicas, tons de correlacionar sua compreensão e sentimento de imagens musicais e a intenção do compositor.
Deve-se ter em mente que o professor intérprete realiza não só um diálogo imaginário com o compositor, mas também se comunica com os alunos, procurando transmitir-lhes a criação musical em toda a plenitude das cores do compositor e de seu próprio senso de arte. Portanto, a interpretação de uma música destinada a ser ouvida pelos alunos pressupõe uma intensa busca criativa por parte do professor-intérprete. A criação de uma interpretação que seja acessível, compreensível, interessante e excitante para os alunos não implica de forma alguma uma interpretação simplificada da música. Um professor não pode e não deve ser guiado pelas preferências estéticas imaturas dos alunos. Desse modo, surge diante do professor uma tarefa criativa bastante complexa, que não pode ser concluída sem inspiração criativa, iniciativa, originalidade do pensamento artístico e figurativo. O colorido criativo do processo interpretativo é um companheiro indispensável da execução musical do professor. O diálogo entre o intérprete-professor e o compositor, dirigido aos jovens ouvintes, adquire características criativas especiais associadas à necessidade de se considerar as habilidades auditivas das crianças, as peculiaridades de sua prontidão musical.
Alcançar a interação criativa com os ouvintes baseia-se na formação da motivação do professor para uma interpretação estilisticamente verificada da música, o que contribuiria para expandir os horizontes de compreensão e vivência da arte pelos alunos. Por sua vez, a motivação pedagógica e artística do professor performador deve ser correlacionada com a possibilidade de se criar um conceito interpretativo holístico para ele, onde a interpretação do sentido emocional-figurativo se basearia na compreensão da base estilística da obra e também se correlacionaria com as capacidades do público. E, por fim, uma importância especial na cultura do estilo performático do professor prioriza sua capacidade de escolher técnicas artísticas e performáticas que contribuam para o estabelecimento de um contato criativo com os alunos-ouvintes. O avanço desses requisitos é baseado nas leis da influência artística da música, que foram profundamente fundamentadas nas obras de Wang (2016), A.V. Zaitseva (2017), Huang Changhao (2017)
O professor de música moderno deve ser responsável pelo aprimoramento contínuo de sua profissão. A confiança na sua capacidade de cativar as crianças com a música, a capacidade
de utilizar eficazmente os seus próprios recursos musicais e performáticos, a eficácia na aplicação de métodos e técnicas de interação artística com os alunos são os traços característicos da sua atividade profissional. A autoeficácia reflete essas qualidades como a capacidade de projetar o próprio comportamento, de mudar-se conscientemente de acordo com as próprias ideias.
O componente motivacional e cognitivo da autoeficácia artística e performática expressa a capacidade de resolver problemas de forma ótima, expressa o desejo do professor de atingir o mais alto nível de realização de suas próprias habilidades performáticas, para obter sucesso na execução de atividades. Esta aspiração é mediada por uma consciência racional da utilidade da performance musical no trabalho profissional do professor, reconhecimento do papel do próprio “eu” no processo de performance, a eficácia dos próprios esforços artísticos e performáticos no desenvolvimento musical de crianças. O contexto cognitivo deste componente pressupõe o desenvolvimento do pensamento, da atividade da memória e dos processos cognitivos, estimulando assim os fatores motivacionais para o sucesso. Assim, o componente motivacional e cognitivo caracteriza a firmeza das intenções do professor em criar uma interpretação musical ótima e artisticamente verificada, uma atitude consciente em relação à eficiência do desempenho artístico como um meio poderoso de influenciar o desenvolvimento musical e estético dos alunos, a convicção na presença dos conhecimentos e habilidades necessários.
O componente emocional-volitivo atua como determinante da capacidade de perceber positivamente o curso e os resultados do processo de interpretação da música, a experiência hedonística da obra musical executada, a convicção nas próprias habilidades para perceber a influência emocional e educacional da performance artística.
A apresentação cênica de música em auditório infantil por uma professora com alto nível de autoeficácia é desprovida de emoções negativas como medo, incerteza, insatisfação e é percebida como um ato de contato artístico bem-sucedido com as crianças. Ao mesmo tempo, os esforços volitivos adquirem uma orientação emocional positiva, expressam firme confiança nas possibilidades de influência artística na consciência musical dos alunos, na capacidade de cativá-los com a música em sua própria execução. A crença emocional nas próprias capacidades performáticas e pedagógicas musicais complementa as características motivacionais e cognitivas da autoeficácia artística e performática de um professor de música.
O componente de controle e avaliação pressupõe a capacidade do professor de avaliar suas próprias habilidades interpretativas e artísticas, bem como as impressões dos ouvintes sobre suas habilidades artísticas e performáticas. A capacidade de autoestima objetiva na
performance musical, em particular, performances diante de jovens ouvintes, direciona a comunicação musical com os alunos, ajuda a encontrar a linha necessária de comportamento pedagógico e atua como um correlato do desenvolvimento artístico e performático. A autoeficiência artística e performática é determinada pela capacidade de avaliar os resultados da própria atividade musical-interpretativa e pedagógica, sem subestimar as próprias realizações. Uma autoavaliação otimista da competência musical e performática, comportamento pedagógico, possibilidades criativas e experiência de interação com jovens estudantes inspira atividades produtivas e novas conquistas. A opinião positiva que o professor faz sobre si mesmo e a capacidade de ver suas melhores características através dos olhos dos outros estimula o surgimento de um senso de respeito próprio, autossuficiência, consciência do valor de suas atividades, da utilidade e de seu sucesso. E, ao contrário, a baixa autoestima causa medo, incerteza em suas habilidades performáticas, em suas próprias possibilidades de influência artística sobre os alunos, o que acaba reduzindo o nível de autoeficácia, prejudica o sucesso da atividade musical e pedagógica do professor.
O componente de ativação criativa atesta a capacidade do professor de aplicar abordagens novas e originais à execução de obras musicais, não apenas as pouco conhecidas, mas também aquelas que têm uma ampla tradição de execução. A prontidão para introduzir abordagens inovadoras para a organização da audição de música por crianças em idade escolar, a capacidade de aplicar uma estratégia criativa na apresentação artística, pedagogicamente cuidadosa da música caracteriza o componente criativo e interpretativo da autoeficácia. A crença nas próprias habilidades criativas, a convicção na eficácia das próprias ações criativas gera energia criativa, direciona-a para a realização de objetivos elevados - tornar as obras- primas da arte musical acessíveis a todos os alunos.
A componente comunicativa e reguladora da autoeficácia artística e performática de um professor de música centra-se na criação e implementação de uma interpretação performática de uma obra musical de acordo com a situação da sua percepção por outrem, em particular, concebida para a percepção de alunos de uma certa idade. Falar em público para um professor com desempenho eficaz contém valor hedonístico. A interação com os alunos durante a execução da música (o professor executa, as crianças ouvem) traz-lhe uma carga positiva de emocionalidade, contribui para a obtenção da satisfação estética, obtendo impressões artísticas vívidas. A autoeficácia do professor, que fala ao público estudantil, também se manifesta na capacidade de direcionar as reações das crianças à música, se necessário, para ajustar seu próprio desempenho em conformidade (naturalmente, no âmbito do bom gosto).
Esses componentes, como um todo, expressam o desejo do professor performador de resolver problemas de forma otimizada, de atingir o mais alto grau de realização de suas próprias habilidades performáticas no público de jovens ouvintes, a ausência de emoções negativas em apresentações públicas; pressupõem a capacidade do professor de avaliar objetivamente suas próprias qualidades de desempenho, a capacidade de ver as melhores características de seu desempenho “através dos olhos” dos outros; testemunhar a capacidade do professor de aplicar abordagens novas e originais à execução de composições musicais e à organização do ouvido musical dos alunos.
As questões consideradas adquirem uma acuidade polêmica em conexão com a identificação de novas categorias, anteriormente não desenvolvidas - “empatia artística de um professor de música”, “cultura de estilo de execução de obras musicais de um professor”, “autoeficácia artística e performática de um professor". A estruturação desses conceitos, que implica a interconexão de componentes artísticos e pedagógicos, também difere em novidade. O apelo a essas categorias é motivado pela afirmação de que qualidades profissionais e pessoais de um professor, como empatia artística, cultura estilística de execução de obras musicais, autoeficácia artística e performática, são dominantes nas condições modernas de atividade musical e pedagógica. Argumenta-se que essas qualidades ajudam a superar as dificuldades e lacunas mais comuns do trabalho prático dos professores com os alunos modernos, em particular, com a incapacidade de estabelecer contato artístico com os alunos, a manifestação de incerteza na escolha das tecnologias pedagógicas ideais, confusão na hora da apresentação performática de música em sala de aula; com um nível bastante baixo de formação
musical e performática dos alunos.
O artigo centra-se na opinião sobre o valor perene do som “ao vivo” da música no processo artístico e educativo moderno, sobre a impossibilidade de o substituir completamente por aparelhos de reprodução sonora.
O papel da orientação pedagógica da formação musical dos futuros professores de música é especialmente enfatizado, apesar da limitação tradicional de sua formação performática exclusivamente voltada às tarefas de desenvolvimento artístico.
Concluindo, ressaltamos a importância dos achados para o desenvolvimento de ideias científicas sobre a teoria e a metodologia da educação musical no sistema de ensino superior. O desenvolvimento das categorias “empatia artística do professor de música”, “cultura do estilo de execução das obras musicais do professor”, “autoeficácia artística e performática do professor” propostas no artigo revela diretrizes para o aprimoramento do ensino de disciplinas de performance musical condições modernas, cria uma base teórica para fundamentar e implementar abordagens que levem em conta a necessidade, antes de mais nada, do desenvolvimento pessoal dos alunos na realização das aulas. O enfoque nessas categorias ajuda a superar a prática difundida de orientação de treinamento, em que os esforços do professor se concentram em transferir aos alunos a experiência de dominar certos métodos de execução vocal, de dominar as técnicas de tocar piano, violino, acordeão de botões, ou a formação de habilidades de regência e coral. Ao contrário da prática existente, em que o principal critério para a eficácia da formação musical dos futuros professores é o seu conhecimento e capacidade de execução, o material proposto no artigo chama a atenção para a necessidade de desenvolver um sistema de avaliação dos resultados dos alunos em arte e música, considerando o seu desenvolvimento pessoal, em particular, a capacidade de empatia, a formação da cultura do estilo de execução de obras musicais, o desenvolvimento de um intérprete artístico de autoeficácia.
As conclusões obtidas adquirem valor prático para a modernização da formação do pessoal pedagógico nas condições modernas e podem ser utilizadas no processo de elaboração de currículos, auxiliares pedagógicos, melhorando a prática da educação especial para os futuros professores de música.
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QUESTÕES DA FORMAÇÃO DE PROFESSORES DE ARTE NO CONTEXTO DAS INOVAÇÕES EDUCACIONAIS
TEMAS DE LA FORMACIÓN DE PROFESORES DE ARTE EN EL CONTEXTO DE LAS INNOVACIONES EDUCATIVAS
Galyna PADALKA1 Liudmyla PANKIV2
Wang XIA3 Wu QIRUI4
Zhang SHENGWEN5 Hu TINGTING6
RESUMO: O objetivo do trabalho é determinar as qualidades pessoais de um professor de música que contribuem para a eficácia de suas atividades artísticas e educacionais nas condições modernas, o desenvolvimento teórico da essência, conteúdo e estrutura de
1 Dragomanov National Pedagogical University (NPU), Kyiv – Ukraine. Professor of the Faculty of Art. Doctor of Pedagogic Sciences. ORCID: https://orcid.org/0000-0001-5110-9637. E-mail: ua.education.com.ua@gmail.com
2 Dragomanov National Pedagogical University (NPU), Kyiv – Ukraine. Candidate of Pedagogic Sciences. PhD in Pedagogy. ORCID: https://orcid.org/0000-0002-6900-3336. E-mail: liudmylapankivv@gmail.com
3 Dragomanov National Pedagogical University (NPU), Kyiv – Ukraine. Postgraduate of Faculty of Art. ORCID: https://orcid.org/0000-0003-4719-6541. E-mail: wangxiaaa1@gmail.com
4 Dragomanov National Pedagogical University (NPU), Kyiv – Ukraine. Postgraduate of Faculty of Art. ORCID: https://orcid.org/0000-0001-7249-4378. E-mail: wuqiiruii@gmail.com
5 Dragomanov National Pedagogical University (NPU), Kyiv – Ukraine. Postgraduate of Faculty of Art. ORCID: https://orcid.org/0000-0003-0030-0647. E-mail: zhangshengwennn@gmail.com
6 Dragomanov National Pedagogical University (NPU), Kyiv – Ukraine. Postgraduate of Faculty of Art. ORCID: https://orcid.org/0000-0002-9236-8341. E-mail: hutingtingg1234@gmail.com
componentes das categorias “empatia artística”, “cultura de estilo de execução de obras musicais”, “autoeficácia artística e performática do indivíduo”. Usando os métodos de questionamento, teste, observação pedagógica e análise das aulas no sistema das faculdades de artes das universidades pedagógicas da Ucrânia e processamento estatístico dos materiais obtidos, o estado da prática moderna de formação profissional de futuros músicos é caracterizado. Como resultado do estudo, argumenta-se que essas qualidades estão entre as qualidades profissionais e pessoais dominantes de um professor de música moderno. O artigo confirma as perspectivas de formação dessas qualidades profissionais e pessoais justamente no processo de formação musical especial dos alunos.
PALAVRAS-CHAVE: Professor. Educação. Empatia artística. Cultura de estilo. Autoeficácia no desempenho.
RESUMEN: El propósito del trabajo es determinar las cualidades personales de un profesor de música que contribuyan a la efectividad de sus actividades artísticas y educativas en condiciones modernas, el desarrollo teórico de la esencia, contenido y estructura componente de las categorías “empatía artística”, “cultura de estilo de la interpretación de obras musicales”, “autoeficacia artística y escénica del individuo”. Utilizando los métodos de cuestionamiento, prueba, observación pedagógica y análisis de lecciones en el sistema de facultades de artes de las universidades pedagógicas de Ucrania y el procesamiento estadístico de los materiales obtenidos, se caracteriza el estado de la práctica moderna de la formación profesional de los futuros músicos. Como resultado del estudio, se argumenta que estas cualidades se encuentran entre las cualidades profesionales y personales dominantes de un profesor de música moderno. El artículo confirma las perspectivas de formación de estas cualidades profesionales y personales precisamente en el proceso de formación musical especial de los estudiantes.
PALABRAS CLAVE: Docente. Educación. Empatía artística. Cultura de estilo. Autoeficacia escénica.
The new requirements for the level of professional training of a music teacher are due to the growing humanistic role that he is called upon to play in modern conditions of the erosion of the aesthetic value guidelines of student youth. One of the drawbacks of training musical pedagogical personnel in modern higher education is the isolation of the special musical training of future music teachers from the needs of their future practical professional activities, not enough attention is paid to the formation of those professional qualities that would allow him to make the most of his personal resources in modern music and educational practice.
The need to make adjustments to the educational system made it possible to put forward the following hypothesis: among the most significant professional and personal qualities of a modern music teacher, necessary to achieve the effectiveness of musical and pedagogical
activities in a modern school, should be attributed those such as artistic empathy; artistic and performing self-efficacy; style culture of performance of musical works.
In general, the analysis of scientific and methodological literature indicates that in the problems of professional training of a teacher of musical art, the issues of the formation of his artistic empathy, stylistic culture of music performance, and performing self-efficacy are practically absent. This is due to the prevalence of the “knowledge” paradigm in the musical teaching of students, with an underestimation of the developing potential of art, with the undeveloped conceptual and categorical apparatus of personal guidelines for the professional training of future teachers of musical art.
At the same time, it was revealed that the problems of teaching musical disciplines in the system of higher music education are considered quite widely. The technologies of musical and creative development of future music teachers have been investigated (WANG, 2016; STRATAN-ARTYSHKOVA, 2014; GUSACHENKO, 2018), several variants of diagnostics of professional competence, readiness of teachers for teaching music at school are proposed (PUHALSKY, 2018; STRATAN-ARTYSHKOVA, 2014; HUANG HANJIE, 2017) modern
trends in the development of vocal, instrumental, conductor-choral training analyzed (DUBOVY, 2019; HUANG CHANGHAO, 2017; SUN, 2017). Of particular interest are studies in the field of art therapy methods, as well as training future teachers to use art therapy methods in music teaching (MALASHEVSKA, 2017; STROHAL, 2017); problems of introducing the polyartistic orientation of musical education (SHPITSA, 2016). General theoretical questions, such as the pedagogical potential of the educational environment (TSYUMAN, 2018), axiological aspects of education (DENSITY, 2004), the structuring of concepts (ZHUITIN, 2018; KHOMICH, 2016; DIKUN, 2017; LIANG, 2017) are also reflected in the modern scientific and methodological literature. However, when considering the results of these studies, it was found that when structuring categories, the necessary parameters of human activity are not always considered. So, considering the components of the readiness of future teachers of art disciplines to work with the choir, the author overlooks the motivational component of the concept of “readiness” (KHOMICH, 2016).
When solving special issues of musical education, scientists widely rely on praxeological (PROVOROVA, 2015), axiological (DENSITY, 2004; GAO RUOJUN, 2018; GUSACHENKO, 2018), communicative (ZAITSEVA, 2017a; 2017b) approaches as a foundation for solving problems of musical education. At the same time, a culturological approach, in which the leading figure in education is a creative individual, prone to self-
determination, as well as a functionalist paradigm, which presupposes the practical orientation of student education in the higher education system, are not considered.
The lack of research in the field of modernization of music and pedagogical education determined the purpose of the article - to consider those professional and personal qualities of a music teacher that contribute to the achievement of the success of his educational activities in modern conditions, to propose an original development of the concepts of “artistic empathy”, “performing self-efficiency”, “style culture performance of music” in relation to the activities of a music teacher, to determine their essence, content and structure, to substantiate pedagogical functions.
To identify innovative trends in the higher education system, to develop the concepts of “artistic empathy of a teacher”, “performing self-efficiency of a teacher”, “style culture of performing music by a teacher” and their structuring in the process of scientific research, the methods of theoretical research were used - theoretical analysis, systematization.
Methods of scientific forecasting and modeling were also used to determine innovative progressive trends in the training of music teachers in the system of higher education. Modeling is viewed as a mental representation of a real system, which accordingly reflects the most significant characteristics of the original, becoming a source of new research information. At the same time, the predictive function of modeling, on which our research is based, makes it possible to foresee the prospective development of the revealed professional and personal qualities of a teacher as extremely important for musical and pedagogical activity.
The structuring of the identified categories is of great importance in the study - “artistic empathy of a music teacher”, “style culture of performance of musical works of a teacher”, “artistic and performing self-efficacy of a teacher”, which makes it possible to present each of them in the form of integrity, combining individual specific characteristics of the studied phenomenon.
The characterization of the state of modern practice of professional training of future teachers was carried out based on the application of questionnaire methods, testing of graduate students, pedagogical observation, analysis of educational documentation, statistical processing of materials. A total of 280 graduate students from seven Ukrainian universities in different regions were surveyed. Statistical processing of the obtained materials made it possible to
establish with sufficient probability that the studied qualities were formed at a high level in 9.5%, at an average in 17.3%, at a low in 73.2%.
The modernization of the training of music teachers in the system of higher education presupposes an emphasis on the formation of their professional and personal qualities. At the same time, we should note that traditionally the professional training of music teachers is considered primarily as musical and performing. It is believed that the development of the skills and abilities of music performance (singing, conducting, playing musical instruments etc.) is the most essential part of the professional development of a musician-teacher. It is assumed that the pedagogical component, mastering the methodology of teaching musical disciplines, plays a secondary, auxiliary role in teaching future music teachers. A survey of teachers of music disciplines, such as “Voice Production”, “The Main Tool” of pedagogical universities shows that most of them believe that mastering the performing arts is a sufficient factor in the successful pedagogical work of students in the future. To the questions: “Do you pay attention to the methodological issues of voice production, achievement of artistic expressiveness in the performance of piano works?”, “Do you consider it necessary to develop the pedagogical qualities of students in the process of teaching musical performing disciplines?” the following answers were received: “The main thing is to teach the student to perform music expressively and technically competently”, “Pedagogical skills will come by themselves in the process of practical work with students”, “Formation of pedagogical skills is a matter of concern for teachers of pedagogy” etc. At the same time, the fact is overlooked that graduates of the faculties of arts of pedagogical universities are unlikely to be able to realize themselves in practical work as musicians-performers. Disregard for teaching preparation puts graduates in a false position. As musicians-performers, due to objective and subjective reasons, they are unable to express themselves, and as teachers, they are not tuned in and prepared.
Unlike traditional approaches, it is proposed to focus efforts on such personality traits that would combine both professional pedagogical and professional artistic. These include such as the artistic empathy of the music teacher, the style culture of the teacher's performance of music, the artistic and performing self-efficacy of the music teacher. Let's consider them sequentially.
Artistic empathy is considered as the ability to adequately perceive and evaluate the figurative content of a work of art from the standpoint of subjective penetration into the
emotional and semantic subtext of the experiences, reflections, attitudes towards the displayed phenomena embodied by the author. The artistic empathy of a music teacher is mediated, in addition, by the specifics of his professional activity, which involves the teacher's communication not only with art, but also with students. In addition, his own attitude to music is also predetermined by pedagogical tasks - to convey the artistic meaning of the work to students, to captivate them with the beauty of artistic images, to expand the stock of artistic impressions etc. Thus, the artistic empathy of a music teacher is interpreted in our study as a personal integrative education that presupposes the ability to empathize, subjectivize both the author's aesthetic experience and the value orientations of students' artistic perception. The functioning of artistic empathy, constituting the communicative dominant of the professional activity of a music teacher, determines its success, effectiveness, and efficiency.
It has been established that the structure of artistic empathy is among the main ones and includes motivational-incentive, cognitive-evaluating and presentational-creative components. The motivational and incentive component of artistic empathy presupposes that the teacher has a stable desire to deeply delve into the emotional-figurative essence of the work, interest in the author's intention, the composer's creative intentions. Not superficial contemplation, but a truly thoughtful attitude to the content of music, its emotional
expressiveness determines the direction of the teacher's attitude to mastering the art of music.
Artistic empathy is not manifested with a neutral perception of a musical work. Interest in experiencing the emotional implication of artistic images, in identifying their emotional and semantic fullness lies at the heart of the teacher's ability to adequately understand and experience the figurative essence of artistic creativity. The teacher-musician is also characterized by an interest in related arts - painting, theater, poetry. The lack of such interest indicates the lack of formation of artistic empathy.
The foregoing determines the pedagogical task - to maximally encourage the development of students' interest in learning artistic creativity, to activate their motivational aspirations for the broadest possible communication with art as a reflection of the inner world of a person.
The cognitive-evaluating component of the artistic empathy of a teacher of musical art indicates the existing stock of artistic impressions, the teacher has a certain experience of communication with art. It seems important for the teacher to have a wide range of knowledge of artistic works, actual musical material, as well as knowledge about art, about the work of composers. For a music teacher, it is extremely important to have a broad awareness of musical styles, artistic trends, the ability to understand the genre features of music.
The cognitive-evaluating component of the artistic empathy of a teacher of musical art presupposes his ability both to objectively evaluate the artistic content of a work, means of expression, to analytically comprehend the figurative and artistic context of a work, and to a direct emotional-sensory reaction to a work. The immediacy of the emotional and artistic reaction must be supported by rational approaches in assessing the artistic merits of a work. Artistic empathy contributes to both the preservation of a vivid emotional response to a work of art, and the ability to rationalize the feelings that arise in the process of perceiving art images. Artistic empathy primarily presupposes the brightness of the emotional response, the strength of the emotional response, and an orientation toward the immediacy of the impression. At the same time, the critical depth in the fabric of the work, the desire to understand the origins of one or another reaction, to intellectually comprehend the characteristic formative features of the work, not only do not hinder, but even intensify the experience, enhance the artistic and emotional impression. The reliance on analytical comprehension of the aesthetic value of art stimulates emotional experience, enhances the results of artistic and emotional deepening into the merger of artistic images. Reliance on analytical comprehension, the ability to intellectually comprehend the aesthetic value of art stimulates an emotional “entry” into the world of beauty,
activates emotional empathy.
The presentational and creative component of artistic empathy means the ability of a person to intense, vivid empathy for the moods and emotions that make up the content of an artistic creation; to an active awareness of its form-making elements, which already at the stage of perception rises to the level of imaginary complicity with the author, and also certainly presupposes a tendency to express one's own attitude to art, a desire to share one's impressions with others.
Thus, on the one hand, artistic empathy contains a significant proportion of the awareness of the artist's creative impulses, so to speak, penetration into the author's creative laboratory as complicity, subconscious identification, awareness of the author's creative needs and their stimulants. On the other hand, artistic empathy presupposes the presence of desire, often also unconscious, to express one's own thoughts, one's own feelings and the nature of the experience of a work of art. An imaginary, almost always subconscious, creative dialogue made at an intuitive level with the author or performer of a work of art develops into a desire to share their own impressions, moods, sensations of the artistic essence of the work of art.
In general, the structure of the teacher's artistic empathy includes components that indicate the presence of stable interest, the teacher's desire to master the deep essence of the content of the musical image, to understand its emotional implication, the desire to establish
emotional and artistic contact with students. Artistic empathy also presupposes the presence of artistic experience, a certain stock of artistic impressions, the ability to understand artistic trends, styles, and genre features. The artistic and empathic attitude towards music and its teaching is also expressed in the teacher's ability to creatively experience a literary text at the level of imaginary complicity with the author, in the ability to enter a creative dialogue with him, and also to share his impressions with students.
These components are inextricably linked, holistically embracing the concept of artistic empathy of a music teacher. So, for example, the intensity of a person's sensorial reaction to the aesthetic merits of a work depends on the formation of the motivational component of artistic empathy. The reliability of the rational-analytical assessment of the artistic quality of a work evokes a desire for its re-perception. The creative dialogue with the author amplify the intensity of empathy for artistic images.
One of the most essential tasks of the school music teacher is to instill in students’ high artistic tastes, to develop their ability to fully perceive art, understand and experience artistic images. The style culture of the teacher plays an essential role in this. By the style culture of the performance of musical works we mean an integrated personal quality that expresses the ability to reproduce the system of figurative and musical-formative thinking of the composer in unity with the expression of an individual's own attitude to the content of music in the process of interpreting artistic images. The content of the performing-style culture of the musician- teacher is complemented by the readiness to convey the content of artistic images in the entirety of the composer's style to young listeners, to captivate them with music. In general, the style culture of performing musical works is the most important indicator of the teacher's professionalism.
The structure of the style culture of a music teacher includes motivational-incentive, cognitive, evaluative-emotional, initiative-creative and communicative-pedagogical components, which in systemic interaction express the teacher's desire for deep knowledge of the composer's style and the specifics of the style perception of music by students.
The motivational and incentive component of the style culture of performing musical works implies that the teacher has a desire for a deep knowledge of the author's style, a desire to penetrate the sphere of his figurative thinking and the peculiarities of form creation to an expressive and style-appropriate performance of his works.
The role of motivation as an activator of activity has been convincingly proven by psychological research. S.D. Smirnov, understanding the systemic unity of stimulating factors by motivation (SMIRNOV, 2001). Emphasizes that developed motivation is one of the most
important determinants of human behavior. Based on this idea, we note that the motivational and incentive component of the style culture of the teacher-musician's performance also provides for the formation of the attitude, the developed need for performing music in front of young listeners, the desire, through their own performing abilities, to form high guidelines for the perception and assessment of art in students style guidelines. Thus, the motive for achieving a style of appropriate performance is an important professional characteristic of a teacher, determines the success of his musical and performing formation and professional and pedagogical development.
The cognitive component orients the teacher-performer to enrich knowledge regarding various stylistic spheres of musical culture and the practical mastering of music on a stylistic basis. The teacher needs to deeply understand and feel the originality of the author's style, the national basis, the historical conditioning, the genre specificity of his style thinking. The system of his musical-theoretical and musical-performing knowledge includes a wide range of information about the creative achievements of all kinds of composing schools and artistic directions, means of musical expression. Stratan-Artyshkova T.B. in her monograph emphasizes that holistic ideas about the stylistic basis of musical art, due to the peculiarities of the historical era, acquire a special significance in the preparation of a musician (STRATAN- ARTYSHKOVA, 2014). Sun (2017) focuses on the need to achieve a synthesis of theoretical concepts regarding the musical style and their practical reflection in the performing process. As our research has shown, the cognitive component of the style culture of the performance of music by a teacher should also be supplemented with psychological knowledge about the specifics of the perception of music by different age groups of students, as well as methodological erudition in the field of artistic and pedagogical interpretation of music.
The evaluative-emotional component testifies to the performer's ability to objectively evaluate the content of musical images created by the composer based on their deep subjective experience. Concentrating on the decoding of the author's intention, the performer at the same time must reveal in the interpretation his own understanding, his own assessment, not an indifferent, but an emotionally inspired attitude to music. Otherwise, his performance risks turning into a formal, dry, faceless process of reflecting other people's artistic intentions.
Expressing a vivid emotional attitude towards the music being performed is especially important for a performer teacher. The neutral, indifferent reflection of musical images is unacceptable anywhere, since music is an art that, more than other types of art, has the ability to convey human emotions. In the process of working with the student audience, the importance of the emotionality of the performance increases significantly. Scientists-educators emphasize
that students in the age range from 7 to 16 years old are characterized by increased emotional activity, sometimes even emotional tension is inherent in them, a greater brightness of experiences compared to adults. The ease of the emergence of emotions, the tendency to change moods cannot but influence the nature of the musical perception of students. A teacher who performs music cannot but pay attention to these circumstances, his emotional and evaluative attitude to music is the factor of attraction to art, that regulator that allows the teacher to captivate children with his own performance of musical style nuances.
The initiative-creative component of the style culture of performance means the teacher's ability to identify a creative approach to the interpretive interpretation of artistic images, while the teacher-performer strives for the most complete transfer of the author's content. The performer of musical works always faces stylistic problems of interpretation because the correlation between the stylistic specifics of a work and its interpretation cannot be solved solely at the general aesthetic level. It is necessary to consider the psychological laws, patterns of perception of music by listeners, take into account their artistic potential, factors of personal mastery of musical images by the performer. At one time, G.G. Neuhaus, an outstanding performer and teacher, successfully emphasized the paradox of the performing arts, inviting students to highlight accents in the phrase: “I play Chopin” by stressing the first or third word.
At the same time, attention should be paid to the complexity of the interpretive reading of a work of art. The interaction of the performer with the composer contains many shades that cannot be put into a simple scheme: “Both the comprehension of the style and the reflection of one's own emotional attitude to the author's work.” The interpreter's creative approach contains many psychological nuances, shades of correlating his understanding and feeling of musical images and their composer's intention.
It should also be borne in mind that the performer teacher carries out not only an imaginary dialogue with the composer, but also communicates with the students, trying to convey to them the musical creation in all the fullness of the colors of both the composer's and his own sense of art. Therefore, the interpretation of music intended for students to listen to, presupposes an intense creative search on the part of the teacher-performer. The creation of an interpretation that is accessible, understandable, interesting, and exciting for schoolchildren in no way implies a simplified interpretation of music. A teacher cannot and should not be led by the immature aesthetic preferences of schoolchildren. In this way, a rather complex creative task arises before the teacher, which cannot be completed without creative inspiration, initiative, originality of artistic and figurative thinking. The creative coloring of the interpretive
process is an indispensable companion of the teacher's performance of music. The dialogue between the performer-teacher and the composer, aimed at young listeners, acquires special creative characteristics associated with the need to consider the listening abilities of children, the peculiarities of their musical readiness.
Achieving creative interaction with listeners is based on the formation of the teacher's motivation for a stylistically verified interpretation of music, which would contribute to expanding the horizons of understanding and experience of art by students. In turn, the pedagogical and artistic motivation of the performer teacher should be correlated with the possibility of creating a holistic interpretative concept for him, where the interpretation of the emotional-figurative meaning would be based on the understanding of the stylistic basis of the work and would also correlate with the capabilities of the audience. And finally, a special importance in the performing style culture of the teacher prioritizes his ability to choose artistic and performing techniques that would contribute to the establishment of creative contact with students-listeners. The advancement of these requirements is based on the laws of the artistic influence of music, which were deeply substantiated in the works of Wang (2016), A.V. Zaitseva (2017), Huang Changhao (2017)
The modern music teacher must be responsible for continuous improvement in his profession. Confidence in his ability to captivate children with music, the ability to effectively use his own musical and performing resources, the effectiveness in the application of methods and techniques of artistic interaction with students are the characteristic features of his professional activity. Self-efficacy reflects these qualities as the ability to project one's own behavior, to consciously change oneself in accordance with one's own ideas.
The motivational and cognitive component of artistic and performing self-efficacy expresses the ability to solve problems in an optimal way, expresses the teacher's desire to reach the highest level of realizing his own performing abilities, to achieve success in performing activities. This aspiration is mediated by a rational awareness of the usefulness of musical performance in the teacher's professional work, recognition of the role of one's own “I” in the process of performance, the effectiveness of one's own artistic and performing efforts in the musical development of children. The cognitive context of this component assumes the development of thinking, the activity of memory and cognitive processes, thereby stimulating the motivational factors for achieving success. Thus, the motivational and cognitive component characterizes the firmness of the teacher's intentions in creating an optimal, artistically verified performing interpretation of music, a conscious attitude towards artistic performance efficiency
as a powerful means of influencing the musical and aesthetic development of students, the conviction in the presence of the necessary knowledge, skills.
The emotional-volitional component acts as a determinant of the ability to positively perceive the course and results of the process of interpreting music, hedonistic experience of the performed musical work, conviction in one's own abilities to realize the emotional and educational influence of artistic performance.
The performing presentation of music in the children's auditorium by a teacher with a high level of self-efficacy is devoid of negative emotions of fear, uncertainty, dissatisfaction and is perceived as an act of successful artistic contact with children. At the same time, volitional efforts acquire a positive emotional orientation, express firm confidence in the possibilities of artistic influence on the musical consciousness of students, in the ability to captivate them with music in their own performance. Emotional belief in one's own performing and musical-pedagogical capabilities complements the motivational and cognitive characteristics of the artistic and performing self-efficacy of a music teacher.
The control and assessment component assume the teacher's ability to assess their own interpretive and artistic abilities, as well as the listeners' impressions of their artistic and performing skills. The ability of objective self-esteem in musical performance, in particular, performances in front of young listeners, directs musical communication with students, helps to find the necessary line of pedagogical behavior, and acts as a correlate of the development of artistic and performing self-efficacy. Artistic and performing self-efficiency is determined by the ability to evaluate the results of one's own musical-interpretive and pedagogical activity, without underestimating one's own achievements. An optimistic self-assessment of musical and performing competence, pedagogical behavior, creative possibilities and experience of interacting with student youth inspires productive activity and new achievements. The positive opinion that the teacher makes about himself and the ability to see his best features through the eyes of others stimulates the emergence of a sense of self-respect, self-sufficiency, awareness of the value of his activities, usefulness, and his own success. And on the contrary, low self- esteem causes fear, uncertainty in their performing skills, in their own possibilities of artistic influence on students, which ultimately reduces the level of self-efficacy, hinders the success of the teacher's musical and pedagogical activity.
The creatively activating component testifies to the teacher's ability to apply new, original approaches to the performance of musical works, not only little-known ones, but also those that have broad traditions of performance. The readiness to introduce innovative approaches to the organization of listening to music by schoolchildren, the ability to apply a
creative strategy in the artistic and pedagogically thoughtful presentation of music characterizes the creative and interpretive component of self-efficacy. Belief in one's own creative abilities, conviction in the effectiveness of one's own creative actions generates creative energy, directs it towards achieving high goals - to make masterpieces of musical art accessible to every student.
The communicative and regulatory component of the artistic and performing self- efficacy of a music teacher is focused on the creation and implementation of a performing interpretation of a musical work in accordance with the situation of its perception by others, in particular, designed for the perception of students of a certain age. Public speaking for a self- effective performing teacher contains hedonistic value. Interaction with students during the performance of music (the teacher performs, children listen) brings him a positive charge of emotionality, contributes to the achievement of aesthetic satisfaction, obtaining vivid artistic impressions. The self-efficacy of the teacher, who speaks to the student audience, is also manifested in the ability to target children's reactions to music, if necessary, to adjust their own performance accordingly (naturally, within the framework of good taste).
These components as a whole express the desire of the performer teacher to solve problems in an optimal way, to achieve the highest degree of realization of his own performing abilities in the audience of young listeners, the absence of negative emotions in public performance; presuppose the teacher's ability to objectively assess his own performing qualities, the ability to see the best features of his performance “through the eyes” of others; testify to the teacher's ability to apply new, original approaches to the performance of musical compositions and the organization of students' listening to music.
The considered issues acquire a polemical acuteness in connection with the identification of new, previously not developed categories - “artistic empathy of a music teacher”, “style culture of performing musical works of a teacher”, “artistic and performing self-efficacy of a teacher”. The structuring of these concepts, which implies the interconnection of artistic and pedagogical components, also differs in novelty.
The appeal to these categories is motivated by the assertion that such professional and personal qualities of a teacher as artistic empathy, stylistic culture of performing musical works, artistic and performing self-efficacy are dominant in modern conditions of musical and pedagogical activity. It is argued that these qualities help to overcome the most common
difficulties and shortcomings of the practical work of teachers with modern schoolchildren, in particular, with the inability to establish artistic contact with students, the manifestation of uncertainty in the choice of optimal pedagogical technologies, confusion at the time of the performance presentation of music in the classroom of schoolchildren; with a fairly low level of musical and performing training of students.
The article focuses on the opinion about the enduring value of the “live” sound of music in the modern artistic and educational process, about the impossibility of completely replacing it with sound-reproducing equipment.
The role of the pedagogical orientation of musical education of future music teachers is especially emphasized, despite the traditional limitation of their performing training exclusively to the tasks of artistic development.
In conclusion, let us emphasize the importance of the findings for the development of scientific ideas about the theory and methodology of musical education in the higher education system. The development of the categories “artistic empathy of a music teacher”, “style culture of performance of musical works of a teacher”, “artistic and performing self-efficacy of a teacher” proposed in the article reveals guidelines for improving the teaching of musical performance disciplines in modern conditions, creates a theoretical basis for substantiating and implementing approaches that take into account the need, first of all, for the personal development of students in performing classes. Focusing on these categories helps to overcome the widespread practice of orientation of training, in which the teacher's efforts are focused on transferring to students the experience of mastering certain methods of vocal performance, on mastering the techniques of playing the piano, violin, button accordion, or the formation of conducting and choral skills. Contrary to the existing practice, in which the main criterion for the effectiveness of musical training of future teachers is their knowledge and performing skills, the material proposed in the article draws attention to the need to develop a system for assessing students' achievements in the art of music, considering their personal development, in particular, the ability to empathy, the formation of the style culture of the performance of musical works, the development of an artistic performer of self-efficacy.
The conclusions obtained acquire practical value for modernizing the training of pedagogical personnel in modern conditions and can be used in the process of writing curricula, teaching aids, improving the practice of special education for future music teachers.
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